Especial Cine de Animación – Parte II (1952-1988)

La animación toma madurez en técnica y contenido.

Especial Cine de Animación – Parte II. Un repaso al género entre los años 1952 y 1988.

‘Neighbours’ de Norman McLaren (Canadá, 1952)

Sinopsis: Dos vecinos mantienen una amistosa relación hasta que una flor crece en la linde de sus dos residencias. Una discusión crece en un torbellino de violencia que culmina en la salida de la aniquilación mutua.

Nominada al Oscar en dos categorías distintas (mejor cortometraje y mejor cortometraje documental), ‘Neighbours’ resultó ganadora en la última de ellas. McLaren aplicó la técnica de pixelación, pero completó algunas de sus soluciones rodando ciertos movimientos a diferentes velocidades de cámara que puede ser no considerado como animación. Idea surgida tras regresar a Quebec de pasar un año en la República Popular de China; estalla la guerra de Corea, lo que le llevó a desarrollar una metáfora antibélica. Lo más importante fue la sucesiva aplicación de pinturas de guerra sobre el rostro de los personajes que precedía al estallido final de violencia.

‘The Tell-Tale Heart’ de Ted Parmelee (USA, 1953)

Sinopsis: Adaptación de El corazón delator de Edgar Allan Poe. Un individuo narra en primera persona el proceso que le ha llevado a matar a su casero, en cuyo ojo ciego ha creído ver una aureola maligna.

La reputación de la UPA (United Productions of America) creció al realizar este cortometraje: cámara subjetiva, idónea traslación visual de la narración en primera persona. Los violentos juegos de luces y sombras se ponían al servicio del crescendo narrativo, colocando la estética del corto en un territorio de fértil cercanía con las propuestas más inflexibles de la animación experimental.

‘Una invención diabólica’ de Karel Zeman (Checoslovaquia, 1958)

Sinopsis: El profesor Roch y su discípulo son secuestrados por los piratas del conde Artigas, que planea aplicar sus fórmulas en sus siniestros planes para dominar el mundo. Ambos deberán salir de allí y desbaratar esos malvados planes.

La película parte de Ante la bandera, la novela de Julio Verne, que parece ser que esbozó la bomba atómica, pero incorpora otras historias del mismo escritor. Lo curioso de esta obra es el empeño de dotar a las imágenes con la textura de los grabados que ilustraban la novela original de Verne. Karel Zeman consiguió anticipar con su obra estrategias del futuro de la imagen de síntesis. Tal fue su hallazgo que Terry Gilliam o tuvo en cuenta al hallar su propio estilo de animación cut-out para el legendario programa de humor Monty Python Flying Circus (1969-1974).

‘Ballet Burlón’ de Fermín Marimón (España, 1959)

Director, productor y exhibidor de cine. En 1956, Fermín Marimón realiza el cortometraje de objetos animados, ‘Ballet Burlón’ en blanco y negro y en formato amateur, pero tras el éxito obtenido, decide repetirlo en 35 mm y en color en 1959. Se animan en imagen real unos compases y tiralíneas, creando una coreografía preciosista, cuidado en su ejecución y visualmente deliciosa.

El protagonista (el propio Marimón) se mancha de tinta por no utilizar el compás para dibujar, sale de la habitación y en ese momento es cuando comienza la animación y la coreografía de los mecánicos bailarines.

‘Surogat’ de Dusan Vukotic (Yugoslavia, 1961)

Sinopsis: Este slapstick muestra un bañista que con una gran cantidad de accesorios, observa como su compañera hinchable le es infiel con otro de su mismo material.

El montenegrino Dusan Vukotic se convirtió en el primer animador de nacionalidad no norteamericana premiado con un Oscar merced a este cortometraje, perteneciente a la escuela de Zagreb. Primera distinción para la cinematografía yugoslava. ‘Surogat’ se mueve en las influencias del diseño gráfico publicitario y en un contexto cultural donde el humor y la ilustración muestran la sátira social o política y humor negro.

‘Johnny y Clementina en el Oeste’ de Bruno Bozzetto (Italia, 1965)

Sinopsis: Clementina, propietaria de una granja, sufre el acoso de una banda de malhechores, pero la llegada del pistolero Johnny, que le mueve el rechazo hacia la violencia, puede cambiar esta situación.

Primer largometraje del director que llegó a parecidas conclusiones con Sergio Leone, pero a través de caminos diferentes: revisión paródica de las historias del western. Como ya hemos escuchado o leído, la elección del western es por usar una mitología universal. A destacar, como de las limitaciones de producción, recrea escenas magníficas donde los gag son protagonistas.

‘Théâtre de M. et Mme. Kabal’ de Walerian Borawczyk (Francia, 1967)

Sinopsis: Monsieur Kabal, un voyeur, recorrerá el interior del cuerpo de su mujer y a la misma vez, recrea el mito del Pecado Original.

El director polaco, que después de este film, se decantó por el erotismo en imagen real, retrata el matrimonio Kabal (personajes ya aparecidos antes en su filmografía) a través de una estética minimalista que se aleja de la animación tradicional.

‘Carlitos y Snoopy’ de Bill Meléndez (USA, 1969)

Sinopsis: Carlitos, que parece tener asumido ser un fracasado en juegos infantiles, se propone participar en una competición de deletreo, en la que consigue mostrar su gran capacidad.

Carlitos, Snoopy y sus amigos creados por M. Schulz supusieron en EE.UU. un aire de frescura en el continente, aportando esa mirada de la infancia desde un punto de vista nostálgico (para niños y mayores).

Bill Meléndez ya participó en estos dibujos en su pase en televisión, y tras triunfar tanto, fue el elegido para dirigir el film. Una película que toma de base las historias vistas en tv, pero que en cuanto a recursos formales opta por algunas cosas nuevas como el uso frecuente de la pantalla partida, animación abstracta,… Además, recordamos que en la cartelera se encuentra la magnífica versión de ‘Carlitos y Snoopy: la historia de Peanuts‘ (Steve Martino) que nuestro compañero Julio Vallejo reseñó.

‘El gato caliente’ de Ralph Bakshi (USA, 1972)

Sinopsis: Fritz, el gato, busca su vida en los círculos más conflictivos de la sociedad, ya sea voluntariamente o por orden del destino, viéndose involucrado en planes de sabotaje.

Icono underground del cómic norteamericano, la película fue el primer largometraje de animación clasificado X por la Motion Picture Association of America. Recaudó cien millones de dólares y obtuvo el beneplácito de la crítica.

‘Incubo rosa’ de Miquel Esparbé (España, 1974)

Realizada sobre dibujos del humorista gráfico e historietista. Ivà (Ramón Tosas), una obra deliciosa, descarada y abierta. Es una sátira sociopolítica – erótico – festiva de la sociedad española de la época, a través de la historia de un diablillo que, buscando su propia definición, quiere conocer el sexo. Aparecían alusiones al caso económico-político de Matesa.

‘Orejas largas’ de Martin Rosen (Gran Bretaña, 1978)

Sinopsis: Un grupo de conejos deberán de abandonar sus madrigueras, debido a que el hombre las va a destruir. En esta huida tendrán que afrontar numerosos peligros, siendo el más cruel, el de enfrentarse contra los de su misma especie.

‘Orejas largas’ fue una cinta que apostó en la década de los setenta por la animación adulta sin hacer referencia a la cultura pop del momento, sino crear un lenguaje nuevo: el uso de la violencia era muy representada en muchas de sus escenas. No era una película para niños, pero el público adulto tampoco la aceptó.

Esta historia basada en el libro que vendió 50 millones de copias, La colina de Watership no iba ser un film de animación, pero Martin Rosen quiso arriesgar. Posteriormente, Rosen adaptó otra novela de Richard Adams, ‘The Plague dogs’ (1982) condenada a la invisibilidad.

‘Harpya’ de Raoul Servais (Bélgica, 1979)

Sinopsis: Este cortometraje surrealista y de horror, muestra como un transeúnte salva a una extraña criatura (mitad mujer, mitad ave) de una feroz agresión. La salvación otorgada a la harpía, le llevará a su rescatador a que sea devorado, pero dejando el final en sus manos.

‘Harpya’ se llevó el premio al mejor cortometraje en el Festival de Cannes de 1979, además al año siguiente fue considerada como una de las 20 mejores películas de animación de todos los tiempos. Servais empezó en este cortometraje a sembrar su técnica que años después perfeccionaría en ‘Papillons de nuit’, la servaisgraphie.

‘Le roi et l’oiseau’ de Paul Grimault (Francia, 1980)

Sinopsis: El rey Charles XVI gobierna sobre el reino de Taquicardia, de una manera egoísta. Cuando una pastora y un deshollinador se escapan de dos cuadros del palacio, un retrato del monarca también lo hace, provocando un caos, en la que la ayuda de un pájaro molesto será importante.

‘Le roi et l’oiseau’ realmente nació antes, pero de una manera desdichada. En 1936 Grimault junto a su amigo, el poeta Jacques Prévert, intentaron plasmar la historia de La pastora y el deshollinador de Andersen, pero el productor, André Sarrut, decidió estrenar el film sin acabar y sin el consentimiento del cineasta y del poeta, por lo que años después Grimault con los negativos empezó a realizar el film deseado. Prévert no pudo ver el resultado final pero un sillón hubo para él, el día del estreno.

En el film se puede observar influencias de Giorgio De Chirico o el urbanismo veneciano, siempre jugando a lo utópico. Parece que Grimault pronosticaba el tipo de animación que veríamos en un futuro, como en ‘El gigante de hierro’ (Brad Bird, 1999).

‘Nausicaä de valle del Viento’ de Hayao Miyazaki (Japón, 1984)

Sinopsis: Tras una gran catástrofe que asoló la Tierra, la supervivencia del ser humano es aislarse en diversos grupos, protegiéndose de la fauna y la flora que amenaza su existencia, pero Nausicaä llega a descubrir que son las personas las culpables de todo.

Nausicaä (que no se estrenó en España hasta el 2010) fue concebida obligatoriamente como un manga, ya que los inversores del segundo film de Miyazaki eran reticentes en apostar por una película que no se basara en un manga. Tras publicarse en papel, Miyazaki y su amigo animador Takahata consiguieron realizar el largometraje. Aunque el Studio Ghibli aún no existiese, en Nausicaä ya se observa la marca personal del creador de Totoro: la preocupación por la ecología y la relación entre el ser humano y la naturaleza.

‘Krysar’ de Jirí Barta (Checoslovaquia – Alemania Oriental, 1985)

Sinopsis: Versión oscura del cuento El flautista de Hamelín. Tras aparecer ratas en la ciudad, el gobierno contrata a un flautista para que las expulse. Tras cumplir su tarea, este no recibe su paga, por lo que a través de la muerte de una mujer inocente, decide vengarse de todos los habitantes de la ciudad.

Jirí Barta anima figuras talladas en madera en un espacio expresionista y oscuro, en el que prevalece la puesta en escena y la psicología de unos personajes que se mueven como personas reales en la pesadilla creada de una manera eficaz por el cineasta. Bajo la producción de Trnka Studio (al que hizo alusión en la primera parte de este especial dedicado a la animación).

‘Neco z Alenky’ de Jan Svankmajer (Checoslovaquia – Suiza – Gran Bretaña – Alemania del Este, 1988)

Sinopsis: Alicia se sumerge en el País de las Maravillas con su Conejo Blanco. En ese lugar descubrirá como todas sus fantasías se vuelven realidad.

Este primer largometraje de Svankmajer lleva más allá la Alicia de Walt Disney, debido a que la sumerge en un universo tétrico en el que el único personaje con voz es Alicia. El resto de personajes son objetos: el Conejo Blanco es un muñeco que en cada momento debe detenerse para recoger el serrín que va perdiendo en cada salto o la Reina de Corazones es una efigie plana,…

Esta mirada de Svankmajer (perteneciente al Grupo Surrealista de Praga) sobre la obra imaginativa y liberadora de Carroll es poner en la visión del espectador el surrealismo y lo irracional a un nivel psicoanalítico que al propio Lewis Carroll le hubiera gustado contemplar.

‘¿Quién engañó a Roger Rabbit?’ de Robert Zemeckis (USA, 1988)

Sinopsis: Eddie Valiant es un detective contratado por los estudios de animación Maroon para que descubra la posible infidelidad de Jessica Rabbit,  esposa de la estrella Roger Rabbit. El caso se complica cuando Roger es acusado de un asesinato que no ha cometido, llevando a la posible desaparición de Dibullywood.

Robert Zemeckis partió de la novela de Gary K. Wolf, Who Censored Roger Rabbit?, para darle un giro, pasando los dibujos del cómic a dibujos animados en un mundo paralelo al real, Dibullywood.

Pero además del cineasta, hay que citar al animador canadiense Richard Williams (‘Un cuento de navidad’, 1971) que con un gran trabajo, mezcló imagen real y animación clásica, dando lugar posteriormente a las innovaciones que conocemos hoy en la confusión entre personajes digitales y de carne y hueso.

LOS ESTUDIOS MORO

En la edición ‘Del trazo al píxel. Un recorrido por la animación española’ editado por Cameo, hay un capítulo dedicado a la historia de uno de los estudios de animación española, reconocido por aportar los dibujos más entrañables a la televisión de los españoles a partir de la década de los cincuenta.

En 1955 se constituye los Estudios Moro por los hermanos José Luis y Santiago Moro. Hicieron sus primeros anuncios de dibujos animados para Cocinas Orbegozo, Cortefiel… Ellos dos se encargaban de todo el proceso creativo: montaje, locución, cámara,…

Es relevante señalar que en 1955 también se funda en Barcelona los Estudios Macián. Ambas empresas colaboraban conjuntamente.

La mayor fuente de ingreso de la animación española en este momento, provenía de los spots publicitarios. Una de las ventajas es que la gran mayoría de las agencias que les encargaban la publicidad no tenían departamento creativo, por lo que todas las ideas salían de ellos, a menudo a partir de un jingle. Los únicos límites que existían eran los de la censura.

Los hermanos Moro recibieron dos Copas de Venecia y las tres Palmas de Oro en Cannes que obtuvieron durante cinco años seguidos entre 1962 y 1966. Entre sus numerosos trabajos se puede destacar ‘El nido’ para Seguros de Vida (Marcel Breuil, 1957) una delicia de stop motion en la que un pajarito busca alimento para sus crías hasta que forma una pajarita que continúa alimentado a los pequeños o ‘Sol de Andalucía’ para Tío Pepe (Francisco Macián, 1959) el espectacular y exitoso anuncio en el que varias copas y botellas de vino bailan al ritmo de una guitarra española.

U otros muy conocidos como ‘Ser la hora…’ (Pablo Nuñez) para Tulipán con los indios que interrumpen la lucha con los vaqueros para tomar pan con la margarina o ‘La canción del Cola Cao’ (Francisco Macián, 1958) en el que un negrito canta las virtudes del producto en el que probablemente sea el jingle español más recordado.

Pero no podemos olvidar su spot estrella, recientemente votado como el gran momento televisivo de la historia de TVE: ‘¡Vamos a la cama…!’ con el que a partir de 1964, los niños españoles, y posteriormente los de casi toda Latinoamérica, se fueron a la cama, acompañados por la Familia Telerín.

En 1969 se les arrebata los Estudios Moro a Santiago y José Luis, creando Moro Creativos Asociados. Con esta segunda etapa además de publicidad, produjeron y realizaron series y películas. Hay que destacar de esta etapa la cabecera para el programa concurso de Chicho Ibáñez Serrador ‘Un, Dos, Tres’ con la famosa calabaza Ruperta y sucesores.